En la siguiente presentación se explica la intersección de dos planos en el Sistema Diédrico:
Tipos de Planos
En la siguiente presentación se exponen los diferentes tipos de planos en el Sistema Diédrico:
Tipos de Planos from Dibujing
ESTEREOTIPOS
En el dibujo infantil aparecen
más tarde o más temprano lo que se denomina estereotipos gráficos, que son
aquellas imágenes que el niño repite para representar objetos familiares de
forma sencilla. En muchos casos, estos dibujos estereotípicos se mantienen en
la forma de dibujar hasta edades muy avanzadas, incluso en adultos.
Se han escogido estos dibujos
para ilustrar esta entrada porque son muy representativos. Se identifican elementos
estereotipados como las montañas, los árboles, los pájaros, las casas,... Se
percibe claramente que los autores se saben de memoria como se dibujan estos
elementos y los hacen, a su manera, perfectos. Otra característica es la repetición
"mecánica" sin recurrir a variaciones o diferenciaciones de elementos
o parte de los esquemas. Por ejemplo, las montañas, los árboles o las ventanas todas
iguales entre sí.
Es interesante plantearse de
dónde provienen estos estereotipos, muchas veces son los adultos los que,
consciente o inconscientemente, imponen esos esquemas cuando muestran al niño
la forma de hacer una casa, una cara o un árbol, por ejemplo. Otras veces los
aprenden de los compañeros y del contexto escolar.
En numerosas ocasiones caemos en
el error de querer ayudar al niño "enseñándole a dibujar" y no nos
damos cuenta del “peligro” que esto conlleva. No estamos estimulando su
creatividad, ya que se limita a repetir un esquema aprendido y no utiliza su
imaginación.
Por otro lado, además de carecer
de valor expresivo, la copia de modelos y reproducción de estereotipos limita
el pleno desarrollo de la personalidad e individualidad. El niño al copiar solo
reproduce expresiones ajenas y somete su pensamiento al de otra persona (la que
le da el modelo) privándolo de expresar sus propias interpretaciones de la
realidad. Por ello es importante que no presentemos modelos para copiar, sino
que tenemos que motivar al niño para que él mismo cree sus propias expresiones.
El niño en sus dibujos cuenta lo
que siente y cómo ve el mundo que le rodea, que difiere mucho de lo que los
adultos vemos y sentimos. Por eso, no debemos juzgar o corregir el dibujo de un
niño basándonos en su nuestra propia captación visual de la realidad: "La
infancia tiene su propia manera de ver, pensar, y sentir, y nada hay más
insensato que intentar sustituirlas por las nuestras" (Rousseau).
Por todo lo anterior, los
adultos, debemos tener en cuenta una serie de recomendaciones para fomentar la
creatividad y expresividad de los niños a través de sus dibujos:
-No imponer esquemas a los niños,
diciendo por ejemplo: así se dibujan las casas o así se dibuja una cara, haciendo
nosotros el dibujo para que los niños lo copien (es preferible un dibujo
personal "imperfecto" que un dibujo "perfecto" copiado de
un modelo). Esto no implica que no se pueda ayudar a un niño que en un momento
puntual nos pregunte cómo se dibuja algo sugiriendo o proporcionando alguna
ayuda.
-Animar y motivar a los niños a que
hagan sus propias representaciones y valorar de forma positiva sus resultados.
-Nunca debe ponerse de ejemplo el dibujo
de otro niño, ni compararlo con el de otro, pues cada uno tiene su experiencia
personal y su forma de expresarla.
-Debemos evitar que un niño copie, si lo
hace reproduce expresiones ajenas y somete su pensamiento al de otra persona,
haciéndose inseguro y limitándose en su capacidad de crear.
-Lo que sí tenemos que enseñar son diferentes
técnicas plásticas para que el niño aprenda a utilizarlas correctamente y poder
aplicarlas libremente en sus expresiones plásticas.
-Sugerir temas que tengan que ver con la
experiencia directa del niño y sus vivencias, que reflejen situaciones vividas.
No es lo mismo decir "dibuja una casa" que dibuja "TU CASA".
-Cuidar el entorno visual del niño
procurando que sea rico, variado y sin estereotipos. Por ejemplo, para la
habitación de un niño debemos seleccionar imágenes estimulantes para su
creatividad, de calidad estética y artística.
Blogs de consulta:
Homología
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| FIG. 1 |
Dos
figuras planas homólogas (FIG. 1) son secciones de una misma radiación o proyección de
rayos por dos planos. En ellas, los puntos homólogos están alineados con un
punto fijo O, vértice del haz, y las
rectas homólogas se cortan siempre en puntos de una misma recta e,
intersección de los planos que contienen a las dos figuras.
El
punto O y la recta e
se llaman centro y eje de la
homología, respectivamente. Todos los puntos del eje son dobles, es decir, el
eje es el lugar geométrico de los puntos que son homólogos de sí mismos.
 |
| FIG. 2 |
Las rectas límite (RL y RL’) son aquellas
rectas formadas por puntos que no tienen homólogos (puntos impropios. Una recta
límite se define como el lugar geométrico de los puntos cuyos homólogos están
en el infinito.
Así
pues, en una homología entre dos figuras planas (FIG. 2) habrá un eje, una recta
constituida por puntos dobles y un haz de rectas dobles que pasan por dos
puntos dobles: uno, el vértice del haz, centro de la homología; y otro, sus
intersecciones con el eje.
Entonces
una homología quedará definida si se conocen:
- El centro, el
eje y un par de puntos homólogos.
- El centro, el
eje y un par de rectas homólogas.
- Dos figuras homólogas,
pues las rectas que unen sus vértices homólogos definirán el centro, y los puntos en que se
cortan los lados homólogos, el eje.
- El centro y las
dos rectas límite.
- El centro, una
recta límite y dos puntos homólogos.
- El centro, el
eje y una recta límite.
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| FIG. 3 |
Para poder
representar dos figuras homologas sobre el papel tenemos que realizar un
abatimiento de planos (FIG. 3). Los elementos de una homología y el abatimiento de
planos se muestran en la siguiente presentación:
Órdenes Clásicos
Buscando en el baúl de los recuerdos encontré unos viejos apuntes. Al releerlos me parecieron más interesantes aún que en su momento. Además por el valor de los dibujos, que en su día me costaron su trabajo, quiero compartirlos e intentar despertar el interés por la Arquitectura clásica y el dibujo. Espero que os gusten.
Me gustaría que después de ver y conocer algo más sobre la Arquitectura Clásica pudierais ver más allá de las simples formas y materiales: siempre hay algo detrás de lo que vemos. En lo sucesivo, seguiré publicando nuevas entradas sobre arquitectura.
Sobre los espacios
Todos tenemos alguna planta en casa: natural o artificial, con flores o sin ellas, grande o pequeña, ... Pero a nosotros lo que nos preocupa aquí es la planta de nuestro edificio, de nuestra casa o de nuestra habitación. Es muy importante entender la relación que existe entre un espacio -donde vives, donde estudias, etc- y la forma que tiene. No es lo mismo una habitación cuadrada que una rectangular, tampoco es lo mismo un pasillo largo y estrecho que uno corto y amplio.
En la siguiente presentación explico de una forma visual e intuitiva estas relaciones entre forma-espacio y como se representan los espacios en planta. En definitiva, como se representa un espacio tridimensional sobre un plano que es bidimensional.
Color y Guerra
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| Batalla de Magenta - Carlo Bossoli |
A mediados del siglo XIX, Italia estaba envuelta en múltiples enfrentamientos bélicos que la llevarían a la unificación del país, tal y como lo conocemos actualmente.
En
el año 1859, el ejército austriaco dominaba la región norte de Italia cuando Napoleón III decidió intervenir en la
contienda echando una mano a los italianos para recuperar sus regiones ocupadas.
La unión de los ejércitos de ambos bandos creó un frente italo-francés capaz de
arrebatar el terreno conquistado por los austriacos.
El
4 de junio de 1859 se libró la Batalla de Magenta, una batalla
decisiva para los intereses austriacos, los cuales tenían dominio sobre
Lombardía y un gran interés en seguir anexionando regiones dentro de la
península italiana. El ejército francés derrotó a los invasores austriacos y antes
de que se repusieran, Napoleón III marchó sobre lo que quedaba del ejército austriaco y apenas 20 días después, volvieron a enfrentarse en el pueblo de
Solferino (que significa Sol feroz) y les propinó la derrota
decisiva.
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| Henri Dunant |
Mientras
la sangre teñía de rojo los campos italianos, en Francia los químicos lograban
teñir telas por primera vez con colorantes artificiales. Fue un gran progreso
pues los pigmentos artificiales sustituyeron a los naturales que en aquella
época eran bastante caros y en algunos casos difíciles de conseguir. Las cochinillas
de nopal, unos pequeños insectos, se pusieron muy contentas con tal avance pues
fueron las que durante muchos años fueron literalmente hechas polvo para
convertirlas en un pigmento que daba a telas y sedas un color rojizo.
Habemus Papam
Mañana,
día 12 de Marzo, los Cardenales se encerraran en la Capilla Sixtina para elegir
al nuevo Papa. Mientras llega el habemus
papam tenemos una ocasión excelente para recordar el genio de Miguel Ángel.
Si queréis saber algo más sobre el terrible florentino y su obra, os presento
un pequeño esbozo de su historia.
Aprovecho
este post para recomendaros encarecidamente la lectura de los diferentes pasajes del libro “La Historia del Arte” de
E.H. Gombrich.
Pinchando
en el siguiente enlace podéis hacer una visita virtual a la Capilla Sixtina:
 |
| Retrato de Miguel Ángel |
Miguel
Ángel Buonarrotti (en italiano
Michelangelo) nació en 1475 cerca de Florencia y murió en Roma el año 1564. Es
considerado como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya
excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y transformó
la concepción del artista que había hasta ese momento.
Durante los cerca de setenta años que duró su
carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la
arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas
artísticas. Los artistas de la época veían en las realizaciones de Miguel Ángel
una cualidad, que calificaron como terribilità, dicho término se
refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el
entusiasmo creativo que caracteriza la obra y el carácter de Miguel Ángel. Muchos
le llaman “el terrible florentino”.
Se
formó en el estudio de Girlandaio donde aprendió los recursos del oficio de
pintor. Sin embargo para Miguel Ángel esto no era suficiente y fue más allá. Estudió
las obras de los clásicos descubriendo los secretos de los escultores antiguos
que supieron representar la belleza del cuerpo humano en movimiento. En su interés
por la figura humana no se contentaba con aprender las leyes de la anatomía de
segunda mano por lo que se dedicó a diseccionar cuerpos para perfeccionar su
conocimiento.
Al
final, adiestró su mano en el arte del dibujo de tal manera que no había
actitud ni movimiento que encontrara difícil de dibujar. A los 30 años ya era
conocido como uno de los artistas más renombrados de su época.
Después
de varios trabajos en Florencia, el poderoso Papa Julio II le reclamo en Roma.
El encargo era la construcción de un mausoleo para el Papa en el interior de la
antigua Basílica. Miguel Ángel se entusiasmo con el proyecto y viajó a las
canteras de mármol de Carrara. Allí permaneció durante más de 6 meses eligiendo
los bloques para sus esculturas, él decía que deseaba liberar las figuras de
las piedras en las que estaban encerradas.
Cuando
regresó a Roma descubrió que el Papa había cambiado de intenciones, abandonando
su idea del mausoleo para dedicar sus esfuerzos a la construcción de una nueva
Basílica, la actual Basílica de San Pedro. Ese cambio de planes no gustó a
Miguel Ángel que abandonó Roma para volver a Florencia, sospechaba que sus artistas
rivales dentro del Vaticano habían hecho cambiar de opinión al Papa e incluso
que habían intentado envenenarle.
Después
de muchas negociaciones, Julio II consiguió persuadir a Miguel Ángel para que
regresase a Roma. El nuevo encargo consistía en decorar una capilla del
Vaticano construida por el Papa Sixto IV, la Capilla Sixtina. Las paredes ya
habían sido decoradas por los pintores más famosos de la generación anterior:
Botticelli, Girlandaio y otros. Pero la bóveda aún estaba vacía. En un
principio Miguel Ángel se mostraba reacio a realizar la tarea pues decía que él
en realidad no era pintor, sino escultor. Además, estaba convencido que el
encargo de tan ingrata labor era consecuencia de las argucias de sus rivales
que querían verle fracasar.
El 10
de abril de 1508 Miguel Ángel se encerró en la capilla y se puso a trabajar a
solas en su obra durante más de 4 años. La
ebullición del genio iba dando vida con sus pinceles a todos los personajes que
antes había imaginado prisioneros en los bloques de piedra de Carrara. Una
multitud de cuerpos pintados en las posturas más atrevidas y con los gestos más
violentos poblaron la bóveda formando un conjunto maravilloso. Más de 300 figuras en una composición armoniosa que
muestran un programa iconográfico que enlaza con los temas de las paredes
laterales: ilustra el largo período de tiempo que vivió la humanidad esperando
la llegada de Cristo, las profecías que anunciaban este acontecimiento y la
creación del mundo. Todas las figuras se incluyen en una estructura
arquitectónica monumental pintada que se superpone a la bóveda verdadera.
Cuando miramos hacia arriba nos parece introducirnos en un mundo distinto, un
cosmos de dimensiones sobrehumanas.
 |
| Escena de La Creación |
Es increíble
pensar el esfuerzo que le supuso pintar este enorme fresco de más de 500m2
sobre el techo de la capilla. Miguel Ángel tuvo que tumbarse de espaldas sobre
el andamiaje que ideó y pintar mirando hacia arriba. Tanto se habituó a esa
postura que hasta cuando recibía una carta tenía que ponérsela delante y echar
la cabeza hacia atrás para leerla.
Después
de 23 años Miguel Ángel aceptó, aunque de nuevo a regañadientes, el encargo
de pintar la pared del altar de la
Capilla Sixtina. Llenó los 200 m2 con una gran representación del
Juicio Final.
 |
| El Juicio Final |
CONTINUARÁ...
Magnum Opus
La familia de
Felipe IV
Diego
Velázquez. 1656
Oil on canvas.
310x276 cm.
Museo del
Prado. Madrid
Las Meninas or The maids of honor, also
known by its original name “The family of Philip IV”, is a 1656 painting by
Diego Velázquez, the leading painter in the court of Philip IV and the most
representative artist of the Spanish Baroque. His work in the court was to
paint portraits of the king and the Royal Family members. Few of them had
attractive faces so the task was not very pleasant for a painter but Velázquez turned
these portraits into fascinating paintings by his creative skill.
This
artwork is recognized as his magnum opus. We can say that Velázquez was able to
capture a moment long before the invention of photography. The painting shows a
large room in the Madrid Royal Palace and in the foreground present several
people from the court, one of them is the young Infanta Margaret Theresa surrounded
by her entourage. Some look out the canvas toward the viewer while others
interact among themselves. The figure that holds the palette and brushes is Velázquez.
He paints himself working on a large canvas the portrait of the King and Queen.
In the background of the scene we see the models reflected in the mirror
remarked with a frame. They appear to be placed outside the picture space, in a
similar position to the viewer. Somehow we, the observers, become the King and
Queen and we are being portrayed by Velázquez.
Therefore
the conclusion is that the complex and enigmatic composition arouses de
curiosity of the observer by the play between reality and illusion. Velázquez
creates a relationship between the viewer and the figures depicted.
VOCABULARY
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Word in english
|
Word in spanish
|
|
Artist
|
Artista
|
|
Artwork
|
Obra de arte
|
|
Background
|
Fondo
|
|
Baroque
|
Barroco
|
|
Brush
|
Pincel
|
|
Canvas
|
Lienzo
|
|
Composition
|
Composición
|
|
To depict
|
Representar
|
|
Figure
|
Figura
|
|
Foreground
|
Primer plano
|
|
Frame
|
Marco
|
|
Magnum opus
|
Obra maestra
|
|
Model
|
Modelo
|
|
Oil
|
Oleo
|
|
Painter
|
Pintor
|
|
Painting
|
Cuadro
|
|
Palette
|
Paleta
|
|
Portrait
|
Retrato
|
|
Scene
|
Escena
|
|
Viewer
|
Observador
|
El espacio en 2D
Todos los Sistemas de Representación del espacio de que se ocupa la Geometría Descriptiva nos sirven para representar un objeto tridimensional sobre un plano. De igual modo, a partir de la representación de un objeto sobre el plano podemos construir el objeto tridimensional.
3D ↔ 2D
En esta breve introducción a la Geometría Descriptiva se presentan de forma visual los Sistemas de Representación fundamentales: Diédrico, Axonométrico y Cónico.
¡que bestia!
La Asociación de Taxidermistas de Minnesota han creado una fantástica aplicación web (www.beastblender.com) que permite crear "monstruitos" juntando partes de diferentes animales: un cocodrilo, un lemur, un rinoceronte, una cacatúa, un pez, un mosquito y un ciervo. El funcionamiento es muy sencillo, a la izquierda aparecen los animales y sólo hay que arrastrar la partes que se eligen al lienzo de la derecha donde se puede modificar el tamaño, girar, etc.
Además de funcionar como un juego divertido me parece una herramienta muy interesante para desarrollar la creatividad e imaginación de los más pequeños (y de los mayores). Estos días fríos y lluviosos son ideales para dedicarse a estos juegos.
PaperCuts
En relación con la sesión sobre las formas, contorno y silueta me gustaría presentaros a modo de exposición la colección de trabajos de Olly Moss. El artista ha titulado esta serie "Papercuts", como su propio nombre indica las obras son recortes de siluetas en cartulina negra enmarcadas. Moss convierte personajes pop en obras de arte. Espero que os guste.
La forma
Esta es la presentación de la sesión dedicada a las formas, el contorno y las siluetas. Es muy importante entender que cada objeto se define por su forma y tenerlo en cuenta a la hora de dibujar.
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